Pavilion
Concordia University, Montréal (CAN)
Dec 2025
[EN]
Assemblies of Perception: Art, Architecture, and Collective Experience, also referred to as my ongoing installative series called “Pavilions”, emerges from a reflective investigation of these accumulated years of practice, both through the assembly of exhibitions and through my own artistic production. It engages a body of work that examines circulation, material negotiation, and viewer participation through déambulatory encounters with sculptural and architectural forms. In this framework, the viewer is no longer positioned in front of an artwork but is instead required to move physically through it. Spatiality thus becomes both a condition of perception and a site of collective experience. Drawing on my professional knowledge and on the study of archival materials related to exhibition design, museology, and the work of artists and architects alike, this research addresses the hypothesis that artists might not be trained or bound to consider art-handling as procedures and spatial strategies often integral components of artistic creation, and thus prioritizing the production of autonomous objects rather than experiential situations. I am also deeply interested in the processes and blurred guidelines involved in the creation of spaces specifically designed for art viewing (museums, art centers, white cubes). By approaching art handling and spatial management not as technical afterthoughts but as generative, meaning-producing processes, this research reframes artistic creation as inseparable from its public dimension.
Building on the work of theorists such as Juhani Pallasmaa and Jane Rendell, the designer Ken Isaacs, and the dialogue between artist Ellsworth Kelly and curator Hans Ulrich Obrist, particularly Kelly’s insistence on spatial encounter rather than containment, this research examines whether and how/should artists conceive exhibition spaces as fields in which perception, movement, and sociality converge. The project arises from a need to investigate how specific art-handling procedures, fabrication techniques, and the integration of spatial and architectural constructions structure spectatorship and/or sentiments of assemblism. More precisely, it seeks to examine how we identify and define artworks and exhibition spaces, and how their forms, whether adapted or not to designated spatial contexts, condition collective experience. The project therefore aims not only to theorize installation as a spatial and social event, but to function as a practical and conceptual guide for artists, foregrounding handling, fabrication, and spatial decision-making as integral components of artistic creation. The inquiry is also grounded in the desire of the development of an analytical framework based on this curated set of conceptual and practical texts, ideally designed to support artistic production and to think critically about how artworks are created, installed, and ultimately encountered by the public.
Ultimately, the aim of this research is to articulate a vocabulary and methodology for understanding installation as a spatial and social event, one shaped not only by conceptual intent but also by the protocols of handling, constructing, and presenting the work. By foregrounding the processes that structure public perception, this project seeks to demonstrate how art and architecture co-produce the conditions for assembly and, consequently, for participation.
¹ Kelly, Ellsworth, et Hans Ulrich Obrist. Ellsworth Kelly: Conversations with Hans Ulrich Obrist. Köln, Walther König, 2019.
Concordia University, Montréal (CAN)
Dec 2025
[EN]
Assemblies of Perception: Art, Architecture, and Collective Experience, also referred to as my ongoing installative series called “Pavilions”, emerges from a reflective investigation of these accumulated years of practice, both through the assembly of exhibitions and through my own artistic production. It engages a body of work that examines circulation, material negotiation, and viewer participation through déambulatory encounters with sculptural and architectural forms. In this framework, the viewer is no longer positioned in front of an artwork but is instead required to move physically through it. Spatiality thus becomes both a condition of perception and a site of collective experience. Drawing on my professional knowledge and on the study of archival materials related to exhibition design, museology, and the work of artists and architects alike, this research addresses the hypothesis that artists might not be trained or bound to consider art-handling as procedures and spatial strategies often integral components of artistic creation, and thus prioritizing the production of autonomous objects rather than experiential situations. I am also deeply interested in the processes and blurred guidelines involved in the creation of spaces specifically designed for art viewing (museums, art centers, white cubes). By approaching art handling and spatial management not as technical afterthoughts but as generative, meaning-producing processes, this research reframes artistic creation as inseparable from its public dimension.
Building on the work of theorists such as Juhani Pallasmaa and Jane Rendell, the designer Ken Isaacs, and the dialogue between artist Ellsworth Kelly and curator Hans Ulrich Obrist, particularly Kelly’s insistence on spatial encounter rather than containment, this research examines whether and how/should artists conceive exhibition spaces as fields in which perception, movement, and sociality converge. The project arises from a need to investigate how specific art-handling procedures, fabrication techniques, and the integration of spatial and architectural constructions structure spectatorship and/or sentiments of assemblism. More precisely, it seeks to examine how we identify and define artworks and exhibition spaces, and how their forms, whether adapted or not to designated spatial contexts, condition collective experience. The project therefore aims not only to theorize installation as a spatial and social event, but to function as a practical and conceptual guide for artists, foregrounding handling, fabrication, and spatial decision-making as integral components of artistic creation. The inquiry is also grounded in the desire of the development of an analytical framework based on this curated set of conceptual and practical texts, ideally designed to support artistic production and to think critically about how artworks are created, installed, and ultimately encountered by the public.
Ultimately, the aim of this research is to articulate a vocabulary and methodology for understanding installation as a spatial and social event, one shaped not only by conceptual intent but also by the protocols of handling, constructing, and presenting the work. By foregrounding the processes that structure public perception, this project seeks to demonstrate how art and architecture co-produce the conditions for assembly and, consequently, for participation.
¹ Kelly, Ellsworth, et Hans Ulrich Obrist. Ellsworth Kelly: Conversations with Hans Ulrich Obrist. Köln, Walther König, 2019.
[FR]
« Pavillon » s’inscrit suite à l’analyse de plusières années de pratiques cumulées, à travers mes expériences à titre de technicien, de designer d’expositions et par ma propre pratique artistique. Ce corpus explore plus particulièrement la circulation, la négociation matérielle et la participation du public à travers des rencontres déambulatoires par des installations à la fois sculpturales et architecturales. Le visiteur n’est alors plus placé face à une œuvre, mais contraint de se déplacer physiquement à travers celle-ci. La spatialité devient à la fois une condition de la perception et un lieu d’expérience collective. En mobilisant mes connaissances personnelles et en étudiant des archives justemement liées au design d’exposition, à la muséologie, ainsi qu’aux pratiques d’artistes et d’architectes, je cherche à aborder des questions telles que : pense-t-on à la présentation au moment de la création ? Comment la manipulation physique d’une œuvre anticipe-t-elle sa réception ? De quelle manière les décisions spatiales chorégraphient-elles le mouvement et la participation du public ? J’émets l’hypothèse que les artistes ne sont que rarement formés aux techniques et aux modes de pensée liés à la manutention des œuvres et à la spatialisation, qui pourraient pourtant enrichir l’expérience du public, se concentrant davantage sur la production d’objets autonomes. Je m’intéresse également aux processus et aux lignes directrices floues de la création d’espaces destinés à l’expérience artistique. En traitant la manutention des œuvres et la gestion de l’espace non pas comme des considérations techniques secondaires, mais comme des processus générateurs de sens, cette recherche envisage la création artistique comme indissociable de sa dimension publique.
En m’appuyant sur des penseurs tels que Juhani Pallasmaa, Jane Rendell, le designer Ken Isaacs, ainsi que sur le dialogue entre l’artiste Ellsworth Kelly et Hans Ulrich Obrist¹, notamment l’insistance de Kelly sur la rencontre spatiale plutôt que sur le simple contenant, cette recherche examine dans quelle mesure les artistes conçoivent les espaces d’exposition comme des champs où se croisent perception, mouvement et sociabilité. Mon projet découle de la nécessité d’analyser comment des procédures spécifiques de manutention, des techniques de fabrication et l’intégration de constructions spatiales et architecturales structurent l’expérience du visiteur. Plus précisément, j’entends étudier la manière dont nous définissons les œuvres et les espaces d’exposition, et comment leurs formes adaptées ou non à des contextes spatiaux désignés conditionnent l’expérience collective. Le point de départ de cette recherche réside dans l’élaboration d’une analyse fondée sur l’adaptation d’un corpus de lectures significatives pour la production artistique, soit un ensemble de textes conceptuels et pratiques permettant de penser la création, l’installation et la rencontre des œuvres avec le public.
Ultimement, l’objectif de cette recherche est d’articuler un vocabulaire et une méthodologie permettant de comprendre l’installation comme un événement spatial et social, façonné non seulement par une conception conceptuelle, mais aussi par les protocoles de manipulation, de construction et de présentation des œuvres. En mettant de l’avant les processus qui structurent la perception publique, ce projet vise à démontrer comment l’art et l’architecture co-produisent les conditions du rassemblement et, par conséquent, de la participation.
¹ Kelly, Ellsworth, et Hans Ulrich Obrist. Ellsworth Kelly: Conversations with Hans Ulrich Obrist. Köln, Walther König, 2019.
« Pavillon » s’inscrit suite à l’analyse de plusières années de pratiques cumulées, à travers mes expériences à titre de technicien, de designer d’expositions et par ma propre pratique artistique. Ce corpus explore plus particulièrement la circulation, la négociation matérielle et la participation du public à travers des rencontres déambulatoires par des installations à la fois sculpturales et architecturales. Le visiteur n’est alors plus placé face à une œuvre, mais contraint de se déplacer physiquement à travers celle-ci. La spatialité devient à la fois une condition de la perception et un lieu d’expérience collective. En mobilisant mes connaissances personnelles et en étudiant des archives justemement liées au design d’exposition, à la muséologie, ainsi qu’aux pratiques d’artistes et d’architectes, je cherche à aborder des questions telles que : pense-t-on à la présentation au moment de la création ? Comment la manipulation physique d’une œuvre anticipe-t-elle sa réception ? De quelle manière les décisions spatiales chorégraphient-elles le mouvement et la participation du public ? J’émets l’hypothèse que les artistes ne sont que rarement formés aux techniques et aux modes de pensée liés à la manutention des œuvres et à la spatialisation, qui pourraient pourtant enrichir l’expérience du public, se concentrant davantage sur la production d’objets autonomes. Je m’intéresse également aux processus et aux lignes directrices floues de la création d’espaces destinés à l’expérience artistique. En traitant la manutention des œuvres et la gestion de l’espace non pas comme des considérations techniques secondaires, mais comme des processus générateurs de sens, cette recherche envisage la création artistique comme indissociable de sa dimension publique.
En m’appuyant sur des penseurs tels que Juhani Pallasmaa, Jane Rendell, le designer Ken Isaacs, ainsi que sur le dialogue entre l’artiste Ellsworth Kelly et Hans Ulrich Obrist¹, notamment l’insistance de Kelly sur la rencontre spatiale plutôt que sur le simple contenant, cette recherche examine dans quelle mesure les artistes conçoivent les espaces d’exposition comme des champs où se croisent perception, mouvement et sociabilité. Mon projet découle de la nécessité d’analyser comment des procédures spécifiques de manutention, des techniques de fabrication et l’intégration de constructions spatiales et architecturales structurent l’expérience du visiteur. Plus précisément, j’entends étudier la manière dont nous définissons les œuvres et les espaces d’exposition, et comment leurs formes adaptées ou non à des contextes spatiaux désignés conditionnent l’expérience collective. Le point de départ de cette recherche réside dans l’élaboration d’une analyse fondée sur l’adaptation d’un corpus de lectures significatives pour la production artistique, soit un ensemble de textes conceptuels et pratiques permettant de penser la création, l’installation et la rencontre des œuvres avec le public.
Ultimement, l’objectif de cette recherche est d’articuler un vocabulaire et une méthodologie permettant de comprendre l’installation comme un événement spatial et social, façonné non seulement par une conception conceptuelle, mais aussi par les protocoles de manipulation, de construction et de présentation des œuvres. En mettant de l’avant les processus qui structurent la perception publique, ce projet vise à démontrer comment l’art et l’architecture co-produisent les conditions du rassemblement et, par conséquent, de la participation.
¹ Kelly, Ellsworth, et Hans Ulrich Obrist. Ellsworth Kelly: Conversations with Hans Ulrich Obrist. Köln, Walther König, 2019.